Nota 100 años natalicio de Roberto Matta

http://www.youtube.com/watch?v=faFJ7YtNAIQ&feature=fvst

Carmen Aldunate

Carmen Aldunate, pintora y dibujante, nació en Viña del Mar en 1940. Aldunate pertenece a un grupo de artistas orientados hacia la NuevaFiguración, que hace del arte el refugio de lo imprevisible e imaginario. Dentro de este grupo se ubican también Toral, Opazo, Cruz y Díaz.

Inició sus estudios en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, y luego en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Posteriormente, se desempeñó como ayudante en el Departamento de Arte de la Universidad de California, E.E.U.U.

Ha ejercido como profesora de dibujo y pintura en la Universidad Católica, y en diversas academias y colegios particulares.

La pintora trabaja con óleo sobre tela y sobre placas de madera, principalmente, pero también con el dibujo a lápiz y el collage.

Con estas técnicas, ha desarrollado un tema que se centra principalmente en la figura femenina; a ésta la representa con amplios ropajes, túnicas y cofias que recuerdan el vestuario medieval, en medio de una atmósfera de carácter psicológico que inunda sus pinturas, aludiendo a trágicos y desolados estados del alma.

Muchas veces, también, su obra se concentra sólo en el rostro femenino, que aparece aislado de cualquier marco referencial, en una especie de acercamiento en primer plano.

La representación femenina se logra mediante un dibujo racionalmente controlado, que junto a un perfecto equilibrio de la pintura, nos recuerdan las obras flamencas del siglo XV, porque lo que hace precisamente Carmen Aldunate, es recuperar los cánones estéticos que en su momento definieron la belleza clásica.

En sus obras, los rostros toman la apariencia de Máscaras y los ropajes de verdaderas corazas, que ocultan al ser que vive bajo la pura apariencia.

Con esto, la pintora quiere simbolizar a todo el ser humano que, por esencia, nunca "da la cara" y vive cotidianamente usando diferentes Máscaras.

El empleo de una oscura armonía de colores acentúa el carácter conmovedor de estas imágenes.

Entre otros, recibió el año 1962 el Primer Premio de Pintura en la feria de artes plásticas de Santiago; Primer Premio de Dibujo en el Salón Oficial de Santiago el año ´74; al año siguiente, Primer Premio de Dibujo en la Bienal de Valparaíso; en el año´78, Primer Premio en la Bienal de Punta del este, Uruguay y el ´81, Primer Premio Dibujo en la Bienal de Cali, Colombia.

Ha expuesto individualmente en la Galería Central de Santiago, en ´63; en Belmonte Art Gallery de Sacramento, E.E.U.U, en ´64 y en la Universidad de California el año´69; en la Galería Lima, de Perú, en 1977; en 1981 se realizó una Exposición titulada "Diez años de pintura de Carmen Aldunate", en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago.

El año´84 expuso en Centro Arte Actual, de Pereira, Colombia.

Durante 1997, la muestra "Pecados y Virtudes" se presentó en Valparaíso, Valdivia y Puerto Montt.

Varias de sus pinturas han sido adquiridas por el Museo Nacional de Bellas Artes y por el Museo de Arte Contemporáneo.

AdeMás, ha ilustrado libros como "El Quijote de la Mancha" y "Alicia en el país de las maravillas".

Obras.

"El burdel" es una obra que refleja las predilecciones estéticas de la pintura junto al tratamiento en pose de las figuras, característica presente en casi toda su obra.

La artista alcanzó tempranamente el estilo propio que como se puede ver en la obra “Sin título” hace reconocible fácilmente sus influencias que van desde la pintura renacentista hasta el modernismo con ciertos aires barrocos.

http://www.portaldearte.cl/autores/aldunate.htm

Transvanguardia

El concepto de transvanguardia viene desde finales de los años '70 y principios de los '80 (en el siglo XX). Este término fue acuñado por Achile Bonito Oliva en Italia y se refiere a un estilo artístico pictórico que nace como respuesta y/o necesidad ante la actitud asumida por los artistas que trabajaron dentro del Arte Povera (de fines de los años '60, que poseía connotaciones moralistas y represivas hacia los excesos de la sociedad).

La característica más importante del transvanguardismo es la adopción de una posición nómada, trasladándose de un estilo a otro sin respetar filiación alguna. Este movimiento agrupó a los artistas por su coincidencia en la concepción filosófica del arte.
El empleo de fragmentos de diversas obras y el carácter discontinuo son piezas fundamentales dentro de su producción, implicando un rechazo a cualquier tendencia a la repetición. Predomina el deseo de valorar pequeños sucesos, representándolos con sensibilidad propia y en algunos casos con un rasgo de ironía y comicidad.

Se puede interpretar la historia de la pintura a través de los nombres que se le otorgan a los distintos estilos. En este caso, la transvanguardia pone de nuevo en primer plano la expresividad personal del artista, la recuperación de la figuración, el elemento fantástico, la tradición pictórica y la pintura manual.

En cuanto a la técnica y los pigmentos, los artistas empleaban todo tipo de técnicas, gamas cromáticas, elementos propios del lenguaje figurativo, así como otros de carácter abstracto. Pintaban en lienzos de grandes proporciones para dar una vista espacial al espectador. Los pigmentos que estaban al alcance de los pintores transvanguardistas eran el carboncillo, la tiza roja natural, el óxido de hierro, el viridiano, blanco de zinc, naranja y amarillo de cadmio, azul cerúleo, azul verde y violeta de cobalto, amarillo indio, tierra verde, carmín, tiza, negro carbonilla, ultramarino, oropimente, marrón, rojo y amarillo ocres.

Los artistas más destacados del movimiento fueron: Sandro Chia, Fernando Leal Audirac, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola de Maria y Mimmo Paladino.

Algunas obras.

Le peintre à sa Palette - Sandro Chia

Ya no hablemos de bailar - Enzo Cucchi

Difesa della natura - Horacio de Sosa Cordero

Autorretrato - Fernando Leal Audirac

Por: fita

Harold Cohen - AARON

El profesor Harold Cohen, de la universidad de California en San Diego EE.UU, pasó 30 años de su vida trabajando en AARON, una inteligencia artificial / artista. 

“Harold Cohen, ex director del Centro de Investigación en Informática y Artes (CRCA), fue un pintor inglés, con una reputación internacional establecida cuando llegó a la universidad de California en San Diego en 1968 como visitante a una cátedra de un año. Su primera experiencia con la informática ocurrió casi de inmediato, y el nunca volvió a Londres. Cohen es el autor del célebre programa AARON, un esfuerzo de investigación sobre una máquina (creadora de arte) autónoma e inteligente que comenzó cuando el era un profesor visitante en el Laboratorio de Inteligencia Artificial de la Universidad de Stanford en 1973” 

Cohen dice: “ Lo escribí para descubrir lo que una máquina de inteligencia independiente podría hacer, dándole un poco de conocimiento del mundo y algunas capacidades física elementales.  Y, en el proceso, para que me enseñara sobre algunas posibilidades que nunca había imaginado. Yo sería muy feliz si el trabajo de AARON en el futuro fuera menos igual que el trabajo humano, que no fuera más un trabajo humano.”

* AARON fue el primer robot en la historia humana en pintar obras de arte originales. 

* AARON mezcla sus propios colores, crea obras de arte sorprendentes e incluso lava sus propios pinceles, y utiliza una amplia gama de tintes en la tela.

* Surgió a partir de investigaciones sobre la naturaleza de la “representación”. O, cómo / por qué vemos marcas en el papel como una “cara” o de otros objetos del mundo real.

*AARON puede hacer pinturas de cualquier cosa que conoce, pero en realidad sabe muy poco, sus conocimientos de basan en las personas, macetas para plantas y árboles, objetos simples como cajas y tablas y decoración.

*Está construido en el lenguaje de programación “C”, pero la mayor parte de su desarrollo es en LISP.

*AARON tiene que saber lo que está haciendo, y tiene que pasar la mayor parte de su tiempo construyendo una representación interna del dibujo en desarrollo, para que así pueda decidir qué hacer a continuación. No cuenta con un mecanismo de retroalimentación física o visual.

*Cohen dice: “No le digo a AARON que hacer. Le digo lo que sabe y es él quien decide que hacer.

¿Cómo le digo a AARON que es lo que sabe? Eso es un poco difícil de entender si no se conoce nada sobre programación. Algunos de los conocimientos de AARON es lo que llamamos “Conocimientos declarativos”; por ejemplo, cuan largos son los brazos y las piernas. Ese tipo de cosas son fáciles de representar. Simplemente se hace una lista de partes, como la parte izquierda superior del brazo, el torso, etc. Cada una de ellas es una lista de todos los puntos en esa parte, con la posición del punto en relación con el origen de la parte. Por ejemplo, el origen de la “parte izquierda superior del bazo” es el “hombro izquierdo” y el “codo izquierdo” se encuentra en una posición en relación a la misma: mucho más abajo, tanto a la izquierda como en el frente. AARON sabe que la parte “izquierda superior del brazo” se inserta en el torso, pero ésta sólo puede virar en maneras que son posibles para un cuerpo real. El programa tiene que saber cómo hacer para hacer las cosas, y este “conocimiento procesal” suele representarse en forma de reglas. Las cuales podrían ser algo como estas:

if (left-arm-posture is "hand-on-hip") 

    (add-upper-arm left -.3 .5 .65) 

else 

if (left-arm-posture is "arms-folded") 

Los tres números aquí representan las rotaciones alrededor de los hombros en los tres ejes que podría el brazo hacer en el ángulo correcto. Pero este ejemplo es muy simplificado, porque, por supuesto, no es solo un “ángulo correcto”, y la forma en que elige una de las tres rotaciones influye en cómo las otras dos rotaciones se pueden elegir. 

Y en un nivel superior, AARON tiene que decidir, con reglas similares en forma, pero diferentes en su contenido, lo que “la posición dl brazo izquierdo” iba a ser. 

“Harold utiliza las computadores como un medio para probar sus teorías sobre el arte, En términos simples, Harold cree que si sus ideas sobre el arte son significativos entonces, sus programas informáticos y robots generaran trabajos de arte significativos. Si sus ideas sobre el arte son incompatibles o defectuosas, entonces sus programas informáticos y robots producirán menos que una obra de arte aceptable”.  

Una de las cosas más interesantes es que el pintor Harold Cohen logró que su máquina AARON lograra pintar igual que su creador. 

Página oficial de Harold Cohen:

http://www.aaronshome.com/aaron/index.html

Video entrevista a Harold Cohen:

Por Gabriela Pérez.

Dentsu: Esculturas de Pintura y Sonido.

Estos artistas han inventado una nueva forma de Arte, en el cual con pintura de diferentes colores y unas camaras de alta resolución y microfonos captan el movimiento y las variaciones generadas al dejar caer una gota sobre ellas. Las fotografías dan como resultado  una nueva expresión de Arte que además de muy hermoso es muy original.

Página Oficial: www.dentsu.com

.-Maximiliano Pino

analisis de el jardin de las delicias (Hieronymus Bosch)

El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida; por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal. Leído de principio al fin, narra la historia de la caída del género humano, sin posibilidad de redención, puesto que no existen las figuras divinas de Cristo o María, ni tampoco la elección de los benditos para vivir en la Gracia de Dios tras el Juicio Final. El mundo, los mundos que presenta el Bosco no tienen nada que ver con la realidad, ni con la comprensión humana. Es uno de los primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imágenes el componente onírico que supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica vitriólica saturan esta imagen cruda del ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos. El Bosco puebla sus paisajes con monstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pululando entre ambientes misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad: la música, el amor, el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento. En el infierno, el sueño-pesadilla se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre, escaleras que no llevan a ningún sitio y, entre todo ello, los cuerpos de los pecadores que están siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales. La técnica minuciosa de El Bosco está directamente relacionada con la pintura de su época y los avances con el óleo. Pero su forma de componer y situar las figuras en el espacio, así como su interpretación de un tema clásico de la pintura religiosa, no tienen nada en común con los otros pintores de su entorno. Se ha tratado de justificar esta particular iconografía a través de la enseñanza de una secta herética del momento, llamada “del libre espíritu”, aunque no está aclarada la pertenencia de El Bosco a la misma.

 les dejo un pequeño video realizado por el musico experimental buckethead en relacióna la obra.

http://www.youtube.com/watch?v=p2dCCUQ8g3I

(alvaro muñoz)

Arrugas de la Ciudad: Intervención en la Habana

Luego de la Bienal de La Habana, los artistas callejeros JR y José Parla intervienen los espacios públicos con sus murales.

En el marco de la Oncena Bienal de La Habana que se inauguró el pasado viernes, fueron invitados a participar de esta celebración del arte pero de una manera singular: cambiando las galerías y los museos por las calles de la capital cubana.

JR y José Parla han convertido las paredes de La Habana en lienzos monumentales que si bien son todos de concreto y ladrillos, poseen por los motivos que exhiben una dinámica que difícilmente consiguen otras manifestaciones artísticas.

“En una sociedad de imágenes estamos constantemente bombardeados por caras de gente, muchas veces de gente famosa. Normalmente, esas imágenes no representan la opinión de la gente real. Yo quiero llevar al centro de la atención a personas anónimas. Llevar sus caras a las calles y redefinir la noción de héroes”, dice JR, cuyos rostros aparecen en este proyecto denominado “Wrinkles of the City”, “Arrugas de la ciudad”, en combinación con los trazos caligráficos de José Parla, una mezcla interesante de seriedad y jugueteo que entabla un elocuente diálogo con la melancólica cotidianidad de La Habana. 

Publicado por Karla A. Casacuberta

http://guerradepintura.blogspot.com/