Arte povera

El término arte povera (del italiano "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta', cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus «iglú», estructuras hemisféricas realizadas con materiales diversos.


El arte povera, rechazaba los iconos de los mass media y las imágenes reductivistas asi como también las industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía. El arte povera prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que sean reutilizados o transformados por el artista.


Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio', intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos de trabajar con materiales nada tradicionales y supuso una importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana.


El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967.


El artista povera asumía una nueva actitud, donde tomaba posesión de una realidad que es el verdadero sentido de su ser. Proponía un modo de vida inventivo y antidogmático.


El artista povera debía trabajar sobre cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de los acontecimientos partiendo de materiales y principios dados en la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno.


El arte povera también es considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectandose directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que le rodea, entrando en armonía.
Sus obras aunque no convencionales tienen una gran armonía y estilo únicos, dado por los materiales no comunes con los que se trabaja.

por Carolina Ramos

Dave Mckean

Dave McKean (nacido el 10 de noviembre de 1963 en Berkshire, Inglaterra) es uno de los ilustradores y diseñadores más importantes de Gran Bretaña.

Su popularidad alcanzó su máximo esplendor al entrar en contacto con Neil Gaiman. McKean se ha encargado de ilustrar muchas de las historias de Gaiman como por ejemplo Casos Violentos, Orquídea Negra, Signal To Noise, Mr. Punch, aunque sus trabajos que más destacan de esta colaboración son las portadas de la serie The Sandman.

En 1989 tuvo su trabajo mas exitoso en ventas hasta la fecha: los dibujos de Batman: Arkham Asylum, guionizado por Grant Morrison.

En 2005 se estrenó en el campo del largometraje con MirrorMask, dirigida por el mismo y escrita en colaboración con Neil Gaiman. También ha realizado diversos cortos: N[eon], The week before, Shakespeare's Sonnet, Reason y Me and my big idea.

En el campo de la historieta presenta una gran influencia del historietista argentino José Muñóz, con quien mantiene estrecha relación.

Editado por Gabriela Lezana

Ron Mueck.

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Imágenes de su ultima exposición.

Hauser & Wirth '12

Editada por Gabriela Lezana. 

Caravaggio

CARAVAGGIO

Michelangelo Meris, Caravaggio (1573-1610), renuncia en su pintura a la invencion para inspirarse directamente en la realidad. Utiliza la luz artificial para crear la forma, convirtiéndola en la protagonista del cuadro, y presenta acusados contrastes de luces y sombras.

En los cuadro de Caravaggio aparecen personajes reales, sacados de la vida diaria, tanto para sus escenas de temas religiosos como mitológicos. La idea de muerte es dominante en su obra. Abre el camino a la pintura de genero, especialmente a la naturaleza muerta.

La pintura de Caravaggio es dramatica y violenta. Rechaza el mundo clasico por tratarse de un mundo poético que nos aleja de la realidad. Su obra se dirige al realismo y la verdad.

En sus obras sé distinguen dos fases:

*Fsae juvenil. Hasta 1597, su pintura esta llena de luz y fondos claros. Esta hecha de una gran clridad cromática y transparencia de las sombras, a base de claros toques de color y sombras transparentes.

*A partir de 1597, concentra su obra en el aspecto colorístico y plastico. Configura plenamente el tenebrismo, sitúa un unico foco de luz fuera del lienzo y concentra el interes luminico en lo que más le interesa. Logra con esta luz los mejores efectos espirituales. Se destacan obras como:

Crucifixión de san pedro, La conversion de San Pablo, la Muerte de la Virgien, la Cena de Emaus, el Martirio de San Mateo, El entierro de Cristo.

La fuerte evidencia de realismo otorgado a sus formas se consigue construyendo dichas formas a través de la luz. Dándolas en algunas zonas, las más significativas, y el resto esta en penumbra. Las partes iluminadas destacan violentamente sobre las que no lo están.

Los protagonistas de sus escenas son gente del pueblo.

Bajo los vestidos de santos y apóstoles se hallan campesinos y taberneros.

La pintura de Caravaggio ejerció gran influencia sobre un gran numero de seguidores. Su arte y tenebrismo, el realismo, claroscuro y su tratamiento efectista de la luz formaron parte de su legado, heredado por pintores de Italia y del resto de Europa.

PERIODO: Barroco Italiano

AUTOR: Michelangelo Merisi, Caravaggio

ESTILO: Tenebrista Escuela Italiana

TITULO DE LA OBRA: Prendimiento de Cristo

FECHA: 1598-1599

LUGAR DE UBICACIÓN: Museo Estatal de Arte Occidental y Oriental

FORMATO: Oleo Sobre Lienzo 134x172,5 cm

FUNDAMENTACIÓN:

El toque magistral de las luces y los oscuros, es realmente, la lucha del bien contra el mal.

Donde el fondo proclama nuevas figuras constantemente, y las oculta con suavidad remotas casi imperceptibles a la mirada, los gestos y movimientos nos afirma una realidad que oculta en un naturalismo que no logra traspasar aun a nuestra visión de mundo real. Los misterios de su historia seguirán escondidos entre claros y oscuros.

La forma plástica de su pincelada que materializa el mundo cotidiano y místico, plasmando las huellas del tiempo en sus cuerpos de una forma delicada.

Todo estos conjunto de situaciones me hace elegir este periodo, destaco mucho la forma de las veladuras en los pintores del barroco, tanto Italianos, Franceses, como Holandeses, como Rembrant.

Pero este pintor Caravaggio, tiene la particularidad de ser más oscuro, en realidad tenebroso, y sus cuadros me provocan al contemplarlos ver siempre algunas figuras escondidas en las sombras. De quizás pensamientos que se esfumaron, ideas fugaces que dejaron alguna exposición escondida en el cuadro.

ANÁLISIS DE LA OBRA:

ANÁLISIS TEMATICO: Falta una parte del lienzo a la izquierda, lo que provoca un corte abrupto en la estructura de los personajes, aunque potencia el sentido traumático de la composición.

El tema narra la detención de Cristo tras la noche de oración en el Huerto de los Olivos. El punto central de la acción se encuentra en los dos rostros de Jesús y Judas, unidos por el beso de la traición. Cristo está pálido, con los ojos caídos y las manos juntas, consciente

del destino que le aguarda. Judas resulta inquietante: lo abraza de manera artificiosa, sus brazos parecen demasiado cortos, y su mirada está absorta, sin atreverse

a mirar al rostro de Cristo.

ANÁLISIS FORMAL: Marco rectangular 134 de alto por 172.5cm de ancho. Todas las figuras convergen hacia un punto en una blanda línea curvada que tiende sin violencia hacia los protagonistas, 3 cuerpos inclinados que a la vez con su mirada hacia Cristo provocan el punto de atención.

El volumen lo provoca la luz y la contra luz en los cuerpos, los colores están impregnado de un color tierra (café).

La estructura geométrica del cuadro esta dada por la posición de las figuras tres en cada lado de el, ósea tres a la derecha y tres a la izquierda.

Las manos de Cristo tienden a un punto de unión con las dos manos restantes que se alzan, provocando un triángulo.

http://fcodleal-fcodleal.blogspot.com/2008/06/analisis-de-una-obra-de-caravaggio.html

Transvanguardia

El concepto de transvanguardia viene desde finales de los años '70 y principios de los '80 (en el siglo XX). Este término fue acuñado por Achile Bonito Oliva en Italia y se refiere a un estilo artístico pictórico que nace como respuesta y/o necesidad ante la actitud asumida por los artistas que trabajaron dentro del Arte Povera (de fines de los años '60, que poseía connotaciones moralistas y represivas hacia los excesos de la sociedad).

La característica más importante del transvanguardismo es la adopción de una posición nómada, trasladándose de un estilo a otro sin respetar filiación alguna. Este movimiento agrupó a los artistas por su coincidencia en la concepción filosófica del arte.
El empleo de fragmentos de diversas obras y el carácter discontinuo son piezas fundamentales dentro de su producción, implicando un rechazo a cualquier tendencia a la repetición. Predomina el deseo de valorar pequeños sucesos, representándolos con sensibilidad propia y en algunos casos con un rasgo de ironía y comicidad.

Se puede interpretar la historia de la pintura a través de los nombres que se le otorgan a los distintos estilos. En este caso, la transvanguardia pone de nuevo en primer plano la expresividad personal del artista, la recuperación de la figuración, el elemento fantástico, la tradición pictórica y la pintura manual.

En cuanto a la técnica y los pigmentos, los artistas empleaban todo tipo de técnicas, gamas cromáticas, elementos propios del lenguaje figurativo, así como otros de carácter abstracto. Pintaban en lienzos de grandes proporciones para dar una vista espacial al espectador. Los pigmentos que estaban al alcance de los pintores transvanguardistas eran el carboncillo, la tiza roja natural, el óxido de hierro, el viridiano, blanco de zinc, naranja y amarillo de cadmio, azul cerúleo, azul verde y violeta de cobalto, amarillo indio, tierra verde, carmín, tiza, negro carbonilla, ultramarino, oropimente, marrón, rojo y amarillo ocres.

Los artistas más destacados del movimiento fueron: Sandro Chia, Fernando Leal Audirac, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola de Maria y Mimmo Paladino.

Algunas obras.

Le peintre à sa Palette - Sandro Chia

Ya no hablemos de bailar - Enzo Cucchi

Difesa della natura - Horacio de Sosa Cordero

Autorretrato - Fernando Leal Audirac

Por: fita

Arquitectura Contructivista

El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.


El constructivismo ruso es el movimiento arquitectónico que mejor se conoce en occidente. Para la cultura nacional rusa, en su totalidad, el período del vanguardismo ruso en el arte, y particularmente, en el campo de la arquitectura, es un periodo que comprende una parte muy importante de esta cultura.

Los rusos han ocupado un ambiente cultural -muy sugestivo- gracias al vanguardismo desde la primera década del siglo veinte. El constructivismo ruso fue un buen momento para la historia de la arquitectura. Pero, sobre todo, es una parte importante de esa historia del vanguardismo -como escuela y como tendencia arquitectónica. fue un movimiento más de los tantos que existieron. Sucedió que el constructivismo ruso dentro de todas estas tendencias nuevas impulsó mejor su concepción, y fue el único movimiento arquitectónico y pictórico que logró realizarse totalmente en la práctica. Estos proyectos “altisonantes” de los constructivistas llamaron mucho la atención occidental, y está acción “proyectual” levantó la propaganda hacia el constructivismo como movimiento artístico. No por eso dejaron de existir otras tendencias que no eran menos interesantes que el discutido constructivismo. El constructivismo fue el único movimiento ruso que logró captar la atención a nivel mundial en el exterior.

La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Vladímir Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección.

 El Lissitzky - Fotomontaje del Wolkenbugel (1925)

Vladimir Tatlin - Monumento a la III Internacional (maqueta)

Alvaro Muñoz

Lowbrow o Surrealismo Pop

Mark Ryden

Lowbrow, un género que cobró protagonismo a principio de los 90, cuyo núcleo se encuentra en California. Debido a su reciente aparición los términos que se utilizan para clasificarlo son motivo de descontento, y a veces insuficientes para dar cuenta de la variedad artista que se pretende englobar en una categoría. Aunque se trate de un arte nuevo sus orígenes se remontan a los 50 y los 60.

Algunos de los primeros artistas en crear aquello que llegaría a ser conocido como arte Lowbrow eran historietistas underground como Robert Williams y Gary Panter. Las primeras muestras se realiaban en galerías de arte alternativas en Nueva York y en Los Angeles, tales como la Psychedelic Solutions Gallery en East Village de Jacaeber Kastor, La Luz de Jesus de by Billy Shire, y la galería Zero One en Hollywood, de John Pochna. El movimiento creció constantemente desde sus inicios con cientos de artistas que adoptaban este estilo. Conforme el número de artistas aumentaba, el número de galerías que exhibían Lowbrow creció. Tanto la Julie Rico Gallery como la Bess Cutler Gallery exponían artistas importantes y ayudaron a difundir este tipo de arte que fue clasificado como lowbrow (de mal gusto, en inglés). La revista de Lowbrow Juxtapoz de Robert Williams, creada en 1994, ha sido uno de los pilares de la crítica del arte Lowbrow, y ha ayudado a dirigir y hacer crecer el movimiento.

Los críticos han resaltado que existen en la actualidad diferentes maneras en cómo el Lowbrow se manifiesta en regiones y lugares distintos. Algunos reconocen un estilo distintivo de la costa oeste de Estados Unidos, el cual está profusamente influido por el underground comix y la cultura de los autos hot rod más que en otros lados. Conforme el estilo Lowbrow se difundía alrededor del mundo, se fue mezclando con las tendencias en las artes visuales de aquellos lugares donde se establecía. Según se desarrolla el Lowbrow, pueden existir ramificaciones hacia nuevas tendencias o invlusive movimientos artísticos totalmente nuevos, tal como sucedió con movimientos pasados.

Los museos, críticos de arte, galerías del mainstream, etc., se han mostrado firmes con respecto al estatus del Lowbrow en el mundo de las bellas artes, y hasta la fecha, en su mayoría lo han excluido, lo cual no ha impedido que algunos coleccionistas compren obras. Algunos críticos de arte dudan que el Lowbrow sea un movimiento artístico "legítimo", por lo que hay muy poca crítica académica al respecto. El argumento más habitual de los críticos es que los escritos críticos surgen de manera natural desde dentro de un movimiento artístico en primer lugar, y después un círculo más amplio de críticos dirige su atención sobre este conjunto de escritos para dar su propia crítica. Esta ausencia aparente de crítica interna podría deberse a que muchos artístas del Lowbrow comenzaron sus carreras en campos que normalmente no se consideran dentro de las bellas artes, tales como la ilustración, el tatuaje y los libros de historietas. Varios artistas Lowbrow son autodidactas, lo que los aleja más del mundo de los curadores de museos y escuelas de arte.

Varias personas en el mundo del arte tienen profundas dificultades con respecto al enfoque figurativo del Lowbrow, su cultivo de la narrativa, y su gran valoración de las habilidades técnicas. Las escuelas de arte y los curadores y críticos menospreciaron profundamente estos aspectos durante las décadas de 1980 y 1990.

No obstante, algunos artistas que comenzaron sus carreras exhibiendo en galerías Lowbrow han pasado a exhibir su trabajo principalmente en galerías de bellas artes pertenecientes a la corriente aceptada. Joe Coleman, Mark Ryden (a partir de su exhibición de 2007 2007 'Tree Show), Robert Williams, Manuel Ocampo, Georganne Deen, y los hermanos Clayton son algunos ejemplos.

Se pueden hallar ecos del enfoque Lowbrow en la historia del arte del siglo XX, comenzando con el trabajo de los dadaistas y los exponentes principales del movimiento regionalista estadounidense (artistas como Marcel Duchamp y Thomas Hart Benton), movimientos que han cuestionado las distinciones entre arte elevado y bajo, arte fino y popular, y finalmente entre cultura popular y cultura del arte refinado. En cierto sentido, el arte Lowbrow consiste en explorar y criticar esas distinciones, y es por eso que comparte similitudes con el arte pop de la década de 1960 y principios de los 70. También es posible notar que así como los artistas Lowbrow se mueven en los límites borrosos entre cultura elevada y cultura baja, existen otros artístas contemporaneos del "mainstream" que usan estrategias artísticas similares a aquellas empleadas por artistas Lowbrow. Como ejemplos se puede mencionar a Lisa Yuskavage, Kelly D. Williams, Kenny Scharf, Takashi Murakami, Jim Shaw, John Currin, Mike Kelley, y la Mission School de San Francisco (en la que se incluye a Barry McGee) o Margaret Kilgallen.

Mike Kelley

Robert Williams

Jim Shaw

John Currin

Mark Ryden 

Murakami

Victor Castillo

Por: Gabriela Lezana.

El Romanticismo en la Pintura

EL ROMANTICISMO EN LA PINTURA

- La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la Crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo . El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.

- La pintura romántica. Características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas , las reglas, supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro: • Utiliza diferentes técnicas ; el óleo, acuarelas, grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad. Desaparece la línea frente al color . Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. E. DELACROIX. LA MATANZA DE QUÍOS, 1825

- La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral. Las composiciones tienden a ser dinámicas , marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados. Los temas son variados. Se cultiva el paisaje como recurso para transmitir los estados de ánimo, dominado por lo infinito de la naturaleza ante la que el hombre aparece relegado y oprimido. Otros temas son las revoluciones políticas , los desastres , religiosos, retratos , lo exótico y fantástico .

- LA PINTURA ROMÁNTICA FRANCESA EUGÉNE DELACROIX (1798-1863) El Romanticismo francés. Los dos autores más representativos son Géricault y Delacroix , maestros del color, la representación del vigor, de la voluntad y de la energía contenida . Del primero destaca su obra La Balsa de la Medusa que se convierte en un alegato político contra la pasividad del gobierno cuya incompetencia provoca el naufragio de la fragata Medusa. Delacroix se consagra como el máximo exponente del romanticismo con su obra La Matanza de Quíos, donde reflejaba la carnicería realizada por las tropas turcas contra los griegos. Pero la obra más notable es el cuadro que conmemora la Revolución de 1830 y que lleva por título La Libertad guiando al pueblo.

- EL ROMANTICISMO INGLÉS WILLIAM TURNER ( 1775-1851) En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable y de William Turner

- JOHN CONSTABLE (1776-1837) Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa. BRIGHTON BEACH

- Turner Su obra expresa la preocupación por el color y la luz , que utiliza de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo . Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna.

- EL ROMANTICISMO ALEMÁN CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) La figura más importante es Friedrich. La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del paisaje . Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un mar de niebla.

Por Catalina Mardones

Pintura Mural

La pintura mural es un tipo de pintura bidimensional condicionada por los paramentos arquitectónicos o muros que actúan de soporte. Son las condiciones de solidez y de permeabilidad de los muros lo que influye este tipo de pinturas muy sensibles a la humedad.

Procedimientos técnicos

Una de las técnicas propias de la pintura mural y la más común es el temple. Requiere de un proceso de preparación del muro previo a la ejecución de la obra. Primero se le da un enlucido de yeso blanco, que no sea calizo, se lijan las irregularidades y se pasa una mano de templa por toda su extensión. Cuando está seca se disimulan los fallos o grietas con una masilla confeccionada con tres partes de yeso blanco y una tierra blanca, amasada con el mismo temple, la cual se conserva en un envase apropiado para ser utilizada de un día para otro. Una vez seco este material se lija y se repasan de templa.

Puede ocurrir que las superficies de los muros o techos, a pesar de todas las preparaciones señaladas, no ofrezcan las garantías necesarias, procediéndose en este caso a forrarlas con tela de retor o un tejido de hilo de poco cuerpo.

Antes de realizar la decoración pictórica propiamente dicha ha de procederse a enfundar, o sea pintar los muros con las tintas generales, de acuerdo con el boceto.

Como la decoración mural no permite improvisaciones ni tampoco copiar del natural, el pintor ha de estar rodeado durante la ejecución de la obra de todos aquellos antecedentes y elementos que le ayuden a triunfar en su cometido. El boceto en este caso es indispensable y en él han de estar implícitamente resueltos la distribución de las masas, los valores cromáticos y la entonación. Aunque en algunos casos se dibuja directamente es conveniente preparar dibujos de las figuras hechos a su tamaño y de las arquitecturas u ornamentos de trazado complejo, sobre papel fuerte.

Una vez hecho todo esto se procede a pintar al temple. Gracias a todos los procesos previos los colores penetran muy bien en la pared y se consigue una conservación muy durable, aunque tiene la dificultad, para el pintor, que la obra al fresco tiene que pintarse sin posibilidad de error y con celeridad, de modo que casi nunca es posible corregir o retocar.

Historia

La pintura mural se desarrolló durante el largo periodo del paleolítico superior. Se pintaba en las paredes, ya que desde siempre el hombre ha necesitado expresarse a través de superficies coloreadas que oscilan entre el signo abstraído de la naturaleza y el dato que se toma partiendo de la realidad natural.

Las cuevas de Altamira son un ejemplo clarísimo de este tipo de pintura mural. Los investigadores aseguran que eran las duras condiciones climáticas las que obligaban a los pintores en trabajar en cuevas.

Hoy en día, las técnicas que usaban para hacer ese tipo de pintura mural producen admiración por su sencillez y porque son perdurables. Los instrumentos que usaban para extender los colores eran sus propios dedos o pinceles.

Para crear los colores usaban como aglutinante la grasa animal, a la cual añadían diferentes pigmentos para colorarlo. Se sabe que los productos más usados eran el óxido de manganeso, que producía tonalidades grises y rojizas, y el óxido de hierro, de una gamma entre el rojo y el ocre. También usaban el carbón, y en algunos casos, sangre. Este procedimiento fue ideal para conseguir una adherencia perfecta sobre las rocas porosas de las cuevas.